Radiografía de una producción de animación 3D

1-Introducción

2-Flujo de trabajo en una producción 3d

3-Fases de un proyecto de animación

3.1. Desarrollo

3.2. Preparación

3.3. Preproducción

3.4. Producción

3.5.. Postproducción

3.6. Entre

3.7. Distribución

1-Introducción

La cadena de valor de la animación está compuesta por siete fases, que forman un proceso a través del cual se produce un contenido de animación. Estos siete pasos son:

1. Desarrollo.

2. Preparación.

3. Preproducción.

4. Producción.

5. Postproducción.

6. Entrega.

7. Distribución.

2-Flujo de trabajo en una producción 3d:

Aunque en este tema hablamos de las etapas de producción de cualquier tipo de producto animado, me parece interesante empezar con un esquema del flujo de trabajo de una producción 3D, para una mejor comprensión.

Los largometrajes animación en 3D son proyectos muy complejos, de larga duración, y de alto presupuesto.

A diferencia de los proyectos de imagen real, el proceso de producción en animación 3D no es lineal, sino que las diferentes fases se superponen durante gran parte del tiempo.

Podríamos decir que la principal diferencia con respecto a un proyecto de imagen real es el tiempo de producción y de personal: se necesita una media de unos cuatro años para producir un largometraje de animación en 3D y una media de 200 personas en el equipo.

3.1. Desarrollo

La etapa de desarrollo consiste en la creación de la idea y la selección de los principales miembros del equipo que realizarán el contenido.

A partir de una idea, ya sea de nueva generación o basada en otros contenidos preexistentes (libros, videojuegos, otra obra audiovisual, etc.) se desarrolla, en primer lugar, el guión de la película o del piloto de la serie, que deberá ser aprobado por la productora una vez finalizado.

En algunos casos, el guión de la obra ya se encuentra acabado y ha sido ofrecido a la productora por un estudio que ha realizado previamente este primer paso.

En esta fase de conceptualización se producen importantes innovaciones, como la utilización de nuevos formatos.

Por ejemplo: el watch&play, consistente en la creación de contenidos interactivos que permiten al espectador ver y jugar al mismo tiempo.

Una vez finalizado este proceso, se comienza a formar el equipo con la selección de la parte fundamental del equipo: el productor ejecutivo, el director y su ayudante de dirección, además de otros miembros del equipo técnico principal.

Posteriormente, se convierte en tarea primordial la realización de un plan y presupuesto de producción del contenido, acompañado de un plan de financiación. Estos dos últimos documentos son de suma importancia para comenzar la búsqueda de financiación.

3.2. Preparación

En esta fase se realiza una revisión de todo el material.

Asimismo, se procede a completar el equipo técnico de desarrollo y se aborda la selección del software y el hardware que será empleado durante la realización de la obra, así como los procesos y procedimientos que serán usados en las siguientes fases y que determinarán el curso del plan de producción.

3.3. Preproducción

En la preproducción se preparan los recursos necesarios para que la producción y la postproducción –las etapas donde se concentra la mayor parte del gasto– se desarrollen sin ningún tipo de desviaciones respecto al presupuesto de creación de la obra, asegurando proporcionar todos los medios necesarios para que el contenido resultante obedezca a los estándares de calidad establecidos en la etapa de desarrollo. Es en este período cuando los distintos departamentos de producción se ponen en marcha y comienzan a trabajar.

Así, resulta primordial la creación de un storyboard que ilustre el guión por secuencias.

Igualmente, se comienzan a desarrollar los modelos de los sets, props y personajes de la obra, así como los fondos y la animática, entre otros.

Las fases en las que se divide son:

– Idea

– El guión

– Diseño: Se genera Arte conceptual.

Al mismo tiempo que se crea el storyboard, un equipo de Artistas Conceptuales comienzan un “libre proceso creativo” de ilustrar diferentes momentos clave en la historia. En este punto, se generan varias propuestas de look y estilo para los personajes, locaciones y la película en general.

En esta fase se generan varios tipos de documentos:

– Photobash: Para la ambientación.

– La Hoja de Modelo (Model Sheet)

Hoja de Modelo (Model Sheet) del personaje de Yasmin de "Aladdin" 1992.

– Hoja de Objeto (Prop Sheet)

Prop Sheet del cuerno de los "Los Croods. Una aventura prehistórica" (2013)

– Modelos de color (Colour Key )

Se realiza un Guión de color y uno de iluminación que serán utilizados por el departamento de iluminación como guía para iluminar cada toma.

Colour script de "Del revés" (Inside Out) 2015

– El Storyboard (Gag-man)

Story Board de Lilo & Stitch 2002

– Grabación del Audio

Se contratan Actores de voz para grabar todos los diálogos del guión. En ocasiones, se graban voces temporales que después son remplazadas por las líneas finales.

– La Carta de Rodaje (Bar Sheet)

La carta de rodaje es una tabla donde vienen organizados los contenidos en columnas y donde cada casilla corresponde a un fotograma.

La primera columna, Acting, es donde el director o el animador planifica la acción de la escena, determinan el tiempo necesario para cada acción y la interacción entre personajes y elementos.

Dial y Lip están destinadas al diálogo. En Dial aparece el texto que pronuncian los personajes. Lip establece la sincronía labial. La transcripción del diálogo a la carta la realiza el montador de sonido.

La columna Levels son las que el animador utiliza. Cada nivel estará destinado a un personaje distinto que salga del plano. FX será donde se especifiquen los efectos especiales.

Por último, está Camera, donde se recogerán los movimientos de cámara que tendrá acción en el plano.

– El Animatic o Tira Leica (Leica Reel)

https://www.youtube.com/watch?v=1ettSxSdM9w ejemplo

https://www.youtube.com/watch?v=7pHvg5uHtF8 ejemplo

– El Layout

Es una versión en baja resolución de cada plano dibujado en el storyboard o dicho de otra manera es convertir el storyboard en una escena tridimensional en el ordenador. Es una versión de la película en “baja resolución” donde, salvo los movimientos de cámara, que son los realies, todo es un boceto de lo que se verá finalmente en el cine.

El artista de Layout es una especie de "operador de cámara" virtual

También en esta fase se diseña la estrategia de derivados digitales (videojuegos, ebooks, casual games, etc.) que proveerán de una fuente adicional de ingresos. El objetivo es identificar oportunidades de negocio existentes en el mercado que permitan crear derivados asociados a las marcas de animación, donde la interacción del usuario y la utilización de nuevas plataformas y dispositivos sea primordial.

El desarrollo de este Plan de derivados digitales suele ser encargada a empresas especializadas.

3.4. Producción

Las técnicas utilizadas durante la producción variarán dependiendo del tipo de animación que se desarrolle (2D, 3D, stop-motion, técnicas clásicas…) y también del software y hardware utilizado, determinado durante la fase de preparación.

En la producción se genera el producto definitivo de la producción. Es decir, empleando toda la información generada en la Preproducción se elaboran el producto final que aparecerá en la pantalla.

Inicialmente los fondos de los escenarios se dibujan tomando los Layouts y la información de los modelos de color. A la vez, los animadores también con sus Layouts plantean la animación tanto de los personajes como de los efectos especiales que haya en los distintos niveles.

En este momento se hace una primera prueba de línea que a la vez resulta en una segunda versión de Tira Leica. Se hacen las rectificaciones pertinentes designadas por el director y da el visto bueno.

Por último, en este proceso, la filmación plasma los fotogramas y las transiciones y otros efectos de cámara; siguiendo, en todo momento, la información de la carta de rodaje que se ha ido completando y ampliando a medida que pasa por los distintos departamentos.

-Modelado:

Es el momento de la generación de del modelado 3D para animación. En el mundo del cine y los efectos especiales existe una mayor tolerancia hacia la alta densidad de polígonos. Pero en el sector de los videojuegos es sumamente importante optimizar cada malla, debido a la necesidad de mostrarse en tiempo real. Para ser aptos para animación o videojuegos es necesario una retopogía. Esto consiste en utilizar el modelo de alto definición como base para generar una maya más optimizada y luego trasladar los detalles mediante mapas de texturas.

-Texturizado:

Es la generación de los mapas de UV’s. El mapa de UV es una representación plana de la geometría volumétrica. En términos más comprensibles, podemos decir que es la piel del personaje estirada y colocada sobre un plano.

-Rigging:

Consiste en generar en el modelado todos los sistemas necesarios para poder animarlo de manera apropiada. Hablando en términos generales, se genera un esqueleto que deformara el modelado y unos controles para que el animador pueda manipular dicha deformación. La tarea del Rigger es un híbrido entre lo artístico y lo técnico. Se deben tener firmes bases de anatomía como así también conocer en profundidad las herramientas del programa. Ya que es necesario generar una estructura que permita al animador desenvolverse de manera óptima.

-Animación:

El departamento de animación toma la “marioneta” obtenido en la etapa de Rigging y se encarga de darle la vida a los personajes. Los animadores necesitan tener conceptos de física y movimiento. Implementar los doce principios de animación para darle credibilidad a sus animaciones. (hablaremos de los principios de animación en el próximo bloque).

El proceso de animación en 3D tiene una estructura de realización muy específica. Debido espacio tridimensional en que se debe realizar es necesario contemplar múltiples ángulos de visión y esto puede resultar bastante laborioso. Por esta razón se suelen hacer la animación por capas.

Se realiza en varias fases la primera es el Blocking”, que consiste animar las poses principales del personaje

Una vez aprobadas las poses se procede al “Spline”. Aquí se interpolan las poses y se hacen ajustes. Se desfasan los movimientos para darles naturalidad y salir de la estructura de bloques de movimiento.

-Simulaciones:

En esta etapa se aplican detalles a la animación aplicando la simulación de fuerzas físicas. Que muchas veces pueden ser demasiado complicadas para animarse a mano. Nos referimos por ejemplo a la simulación de telas, fluidos o cabello.

-Iluminación:

La iluminación busca dar un aspecto más real a la escena, simulando la luz que inciden en los objetos, bien localmente, de forma global o ambas simultáneamente.

-Composición y efectos.

3.5. Postproducción

La postproducción incluye múltiples actividades que van desde el doblaje al montaje y edición de vídeos, algunas de las cuales son realizadas por empresas subcontratadas, ya que la externalización de estas acciones consiguen que las empresas de animación ofrezcan a un precio más competitivo sus contenidos. La postproducción de sonido es una de las actividades que más se subcontrata.

Ésta incluye el doblaje de la animación, la grabación de la banda sonora, los diferentes efectos de sonidos y la mezcla final. Asimismo, durante la postproducción se desarrolla la edición de los distintos vídeos y su montaje, así como la inclusión de efectos especiales y el subtitulado de los contenidos.

Una vez completados los distintos pasos de edición se consigue el producto final, el cual es preparado para su entrega a la televisión o distribuidora. En el caso de las series de televisión, durante la postproducción también se crean las caretas de entrada y salida en colaboración con las televisiones.

3.6. Entrega

Durante esta fase de la cadena de valor se finalizan todos los detalles técnicos y comerciales. En primer lugar, se comienza la adaptación del contenido a las distintas plataformas en las que será exhibido. La animación, además, permite trabajar digitalmente, lo que facilita la entrega del contenido sin cinta en todo el mundo, reduciendo así costes y tiempo. Asimismo, se desarrolla el material promocional que aparecerá en diferentes medios y formatos: trailers, clips, posters, banners, etc. Adquiere especial importancia la estrategia de explotación del contenido vía licensing, para lo que es necesario contar con una guía de estilo que se adecúe a la estrategia de derivados digitales planteada durante la etapa de preproducción. Esto debe hacerse prestando especial atención a los derechos audiovisuales.

3.7. Distribución

Por último, la cadena de valor finaliza con la distribución de los contenidos, que incluye también la exhibición de los mismos ya sea en televisiones, agregadores de contenidos (propios de la productora o externos, como Vimeo), salas de cine o retail1 (DVD o Blu-Ray). También se incluyen las actividades de desarrollo de contenidos digitales, puesto que multitud de empresas de animación crean todo tipo de contenidos digitales basados en la marca: aplicaciones para dispositivos móviles o contenidos para web y Smart TV. Existen en España distintos tipos de empresas de animación, que pueden o no desarrollar las labores de distribución. En el caso de no llevarse a cabo, la compañía debe llegar a acuerdos con distribuidoras que se aseguren de comercializar sus contenidos en los distintos países.

Con la intención de mejorar la gestión de este tipo de actividades, se han introducido en la cadena de valor herramientas de gestión de la propiedad intelectual, de suma importancia para la explotación del contenido.