Cómo crear personajes interesantes para tu animación

1. Personalidad

2. Línea de Acción

3. Silueta (Shape)

4. Gesto

5. Anatomía

6. Estructura & Construcción

7. Volumen

8. Color

9. Exageración

10. Líneas Rectas vs Líneas Curvas

11. Complejidad vs Simplicidad

12. Variedad

13. Asimetría

14. Tangentes

15. Actitud & Acting

16. Expresión Facial

17. Credibilidad

18. Dibujo

Los personajes son nuestra herramienta para contar una historia. Aquí no se trata de dibujar, si no de crear sentimientos y emociones al espectador. Por lo que, si no conocemos la técnica, por muy buena ilustración que hagamos, no sabremos comunicarlos.

En este tema vamos ver los rasgos importantes a la hora de diseñar un personaje.

1. Personalidad

La personalidad se refleja en nuestro físico, en nuestras reacciones e incluso en nuestra forma de vestir.

Debemos tener la capacidad de sugerir, en simple golpe de vista, quién es y cómo se siente nuestro personaje, cuál es su historia, etc.

Existen dos tipos de atributos que debemos tener en cuenta a la hora de darle personalidad a nuestro personaje.

-Los físicos: Género, edad, ocupación, vestimenta, biotipo corporal, etc.

-Los Psicológicos: Personalidad, historia, arco narrativo, motivaciones, intereses.

Un funcionario jubilado, un ricachón arrogante, una superviviente, un adolescente inadaptado…

Sería recomendable ver algunos trabajos de Lutgardo Fernandez, un diseñador de personajes español.

2. Línea de Acción

La línea de acción es una o varias líneas imaginarias que dibujamos desde la cabeza hasta los pies nuestros personajes.

Esa curva o línea de acción nos ayudará a definir la actitud, la personalidad o el estado emocional de nuestro personaje. Esta característica, además, nos ayudará a eliminar la rigidez y la simetría, a dar más énfasis a nuestra pose y por lo tanto a conseguir un dibujo mucho más interesante.

Dibujar a nuestro personaje dentro de una línea de acción ininterrumpida nos ayudará a entender mejor la pose, sus emociones y su personalidad. Esta es una máxima que guarda aún más sentido en el mundo de la animación y que recoge el famoso libro Cartoon animation de Preston Blair.

3. Silueta (Shape)

El uso de formas básicas o primitivas es una fórmula que nunca falla. El círculo, el cuadrado, el triángulo o incluso el uso de formas redondeadas o formas picudas definen el carácter de un personaje. Estabilidad, desconfianza, autoridad, ternura, peligro, etc, son solo algunas de las sensaciones que puedes transmitir solo con el uso de una forma u otra.

El uso de formas simples a la hora de diseñar un personaje va a hacer que nuestro espectador perciba rápidamente su personalidad. Puedes usarlas de forma global, para definir su silueta corporal o hacerlo de forma individual (Cabeza, manos, ropa…).

4. Gesto

En el dibujo gestual buscamos líneas únicas y más o menos precisas con el objetivo de plasmar en una idea rápida el gesto y el movimiento de nuestro personaje. Aquí no buscamos la forma geométrica del personaje sino captar el ritmo o el gesto con la máxima rapidez y sencillez posible.

Conviene ver los diseños de J.P Lopez Arenas.Un verdadero ejemplo de dibujo gestual.

5. Anatomía

El cocimiento anatómico es esencial para crear personajes creíbles.

El objetivo de la anatomía no es crear personajes realistas, si no creíbles. Una buena anatomía orientada al diseño de personajes te permitirá no solo aprender a dibujar seres humanos o animales, sino que aprenderás a crear monstruos, criaturas y cualquier cosa que necesites.

Conviene investigar algunos de los libros de Burne Hogarth para aprender a dibujar Anatomía.

7. Volumen

Este principio guarda una estrecha relación con el anterior. Una vez hemos construido la estructura podemos definir la volumetría

(simular volumen) a través de dos cosas. La superposición de unos elementos sobre otros y el uso de la luz y las sombras.

En resumen, cuando ilustramos en un papel (o una pantalla), en realidad estamos trabajando en 2 dimensiones. Por lo que la tercera dimensión (la profundidad) debemos crearla simulando volumen y profundidad. A

La escultura te ayudará a entender cómo trabajar el volumen de la musculatura, el pelo, las arrugas, etc, y por lo tanto como reacciona la luz ante determinadas formas.

8. Color

El color es quizá el aspecto más importante a la hora de generar emociones. Existen cientos de estudios y libros sobre el uso del color y cómo afecta sobre nosotros. Comprende un campo tan amplio que habría que dedicarle un blog entero.

En el caso del uso del color en el diseño de personajes debemos tener en cuenta dos factores. La elección del color principal que otorgará la personalidad de nuestro personaje (El color predominante de su ropa o el tono de su piel). Por otro lado, el uso de colores secundarios que complementen y acentúen el color principal.

Sería interesante investigar a Guillermo Ramírez, y su uso del color en el diseño de personajes.

9. Exageración

Y a igual que ocurre en animación, acentuar y exagerar ciertos atributos o acciones generalmente ayuda a hacer un diseño más creíble, y desde luego más reconocible.

Por un lado, podemos exagerar una cualidad física, como el tamaño de las manos, de la nariz o del torso. Por otro lado, podemos exagerar una pose o incluso la propia línea de acción para acentuar ciertos rasgos de la personalidad o el estado emocional de nuestro personaje.

Aquí tenéis algunas capturas de dos libros maravillosos sobre su uso en la animación y el diseño de personajes.the Silver Way (Stephen Silver) y Cartoon Animation (Preston Blair).

10. Líneas Rectas vs Líneas Curvas

Una de las máximas, y no solo en el diseño de personajes, es la oposición de líneas rectas contra líneas curvas. Este principio busca el contraste en las formas que componen nuestro dibujo para éste sea más interesante. Por algún motivo nuestro ojo se siente más cómodo cuando encuentra diversidad y alternancia en una imagen.

Las líneas rectas tienen una lectura más rápida, y las curvas más lentas, y esto suscita un mayor interés y comodidad en la lectura que hace nuestro cerebro de la imagen. Os dejo un interesante ejemplo sobre el uso de este principio aplicado al diseño de personajes.

11. Complejidad vs Simplicidad

A igual que el anterior, este principio busca de nuevo el contraste de las formas.

12. Variedad

Evita las repeticiones. Cuando diseñamos un personaje nos encontramos multitud de elementos que nos obligan de alguna manera a repetir formas. Los dedos de las manos, los botones en una sotana, las arrugas de la ropa, la simetría en cara y cuerpo, el pelo, o como en el ejemplo que os muestro a continuación, las crestas que recorren el lomo de un cocodrilo diseñado por Sergio Pablos.

Sin embargo, podemos disimular estas repeticiones haciendo pequeñas variaciones en su tamaño y proporciones, variando la distancia entre dichos elementos, colocándolos en ángulos diferentes, cambiando su dirección y modificando ligeramente su forma.

13. Asimetría

El principio de asimetría consiste, una vez más, en crear contrastes y líneas que se complementen. Para ello debemos eliminar elementos paralelos o simétricos. Debemos buscar el ángulo tanto en su postura corporal o como en las expresiones faciales. Esto nos ayudará a crear un dibujo más completo, creíble e interesante.

Recomiendo consular los libros The Silver Way (Stephen Silver) y 100 Thuesday Tips.

14. Tangentes

Uno de los errores más frecuentes que surgen mientras dibujamos es la aparición de tangentes. Es decir, líneas que aún perteneciendo a elementos diferentes, se cruzan y superponen dando la sensación de formar parte de la misma. Creando así confusión y un efecto negativo sobre nuestro dibujo.

Os dejo una imagen de Griz & Norm, con varios ejemplos de este fallo, muy comunes, y que debemos evitar para que nuestros dibujos sean legibles.

15. Actitud & Acting

La actitud depende directamente de otros dos principios fundamentales, el gesto y la línea de acción. Por supuesto, aunque aquí el término está definido para el diseño de personajes, esto también sucede en animación, plató de rodaje real, escenario de un teatro o incluso en el contenido de un cuadro artístico.

En este principio, además, intervienen tres elementos de vital importancia. El lenguaje corporal, las manos y las expresiones faciales. Que además deben trabajar de forma coherente con el personaje. Imaginad al malo que quiere dominar el mundo, levantando sus manos agarrotadas, pero con una expresión facial sumisa. O peor aún, poniendo morritos de selfie. Inquietante ¿no?

16. Expresión Facial

La dirección de los ojos, la apertura de los párpados, la posición de las cejas y la boca… Solo con la información que procede de sus expresiones podemos averiguar su estado de ánimo. Podemos interpretar lo que siente, si está pensando, si intenta recordar algo, incluso si nos está mintiendo. Esto último, por ejemplo, sucede cuando se contradicen la expresión de los ojos y el gesto de la boca. Existen de hecho, algunos estudios que hablan precisamente del significado de cada reacción.

C Os dejo algunos ejemplos del que considero uno de los grandes maestros de la historia de la animación de nuestro país, Borja Montoro.

17. Credibilidad

La personalidad o la apariencia debe ser además creíble. A igual que ocurre con un actor real, en la personalidad deben reflejarse sus complejos, sus deseos y necesidades. Estos marcarán su comportamiento y sus reacciones a lo largo de la película, comic, serie o videojuego.

Nos encontramos con un principio que busca el atractivo, la credibilidad y sobre todo la coherencia para que el espectador tenga la sensación de que el personaje es real, que está vivo y además es consistente consigo mismo. En definitiva, es una combinación correcta del resto de principios, para que todos jueguen en la misma dirección.

18. Dibujo

El último principio, y de alguna forma, la base de todos los demás. El Dibujo no es más que una herramienta para poder expresar y comunicar gráficamente cualquier cosa que necesitéis.

Recomiendo investigar los trabajos de Teresa Valero.